O autor discorre brevemente sobre a suposição de que "a música seja a linguagem internacional da humanidade". Comenta que não é a linguagem (o som) da música que é internacional mas sim que os símbolos escritos da notação musical ocidental é que são entendidos universalmente. Há ainda outras questões discutíveis neste pequeno texto introdutório que não serão apresentadas aqui mas não são essenciais ao entendimento do que segue.

Mantivemos na tradução o uso da notação com letras para identificar os nomes das notas conforme o original. Nesse sistema A = Lá, B = Si, C = Dó, D = Ré, E = Mi, F = Fá, G = Sol. Uma letra maiúscula, por exemplo: A, equivale a Lá₂; uma letra minúscula, por exemlpo: a, equivale a Lá₃ e assim por diante. (Ver a Tabela dos Símbolos de Registro que compara diferentes sistemas de notação.Observe ainda que o C₄ equivale para nós ao C₃. N.T.)]

Notação com Letras

• Os Gregos tinham pelo menos quatro sistemas derivados das letras do alfabeto;
• Exemplo A: comparação entre versão alfabética e sistema moderno de registros.





• Letras (revertidas ou deitadas significando alterações: # ou b);
• Sinais de duração (─ = 2 pulsos, └─ = 3 pulsos, └─┘ = 4 pulsos, └─┴─┘ = 5 pulsos);
• Exemplo B: seqüência de letras e sinais métricos.





• No Século IV DC havia cerca de 1600 sinais, símbolos e formas de letras;
• Um sistema de notação para música vocal e outro para instrumental.
• Boécio (Século VI DC)
• Designava as 15 notas contidas em duas oitavas com as 15 primeiras letras do alfabeto grego-latino:
• Exemplo C: sistema de Boécio.





• Exemplo D: ilustração do sistema de Boécio.

Neumas (latim: sinal ou curvado)

• Prosódia grega: acutus () inflexão ascendente; gravis () inflexão descendente;
• Combinações permitiam várias inflexões ascendentes e descendentes: ou , etc.
• Período de transição:
• O acutus passou a chamar-se: virga (latim: vara);
• O gravis, substituído por uma linha curva () ou ponto (), passou a chamar-se punctum (latim: ponto).
• Algumas "formas de neumas" tinham nomes descritivos:



Podatus (ou Pes): pé		do grave para o agudo
Clivis: dobra, curva (encosta do morro)		do agudo para o grave
Scandicus: subida, aclive		3 notas ascendentes
Climacus: escada (em caracol), declive		3 notas descendentes
Torculus: torcido, lagar (tanque)		grave–agudo–grave
Porrectus: estendido, esticado		agudo–grave–agudo

• Começam a ser classificados conforme a função:
• neumas normais (usados para notação melódica somente):
  • simples (tais como a virga e o punctum usados para notas únicas e outros para grupos de 2 e 3 notas);
  • compostos (várias combinações de neumas simples usadas para grupos de 4 e 5 notas);
• neumas de "performance" (execução ou interpretação).
• Entre os Séculos IX e XIII os neumas foram modificados para formatos quadrados:
• a virga começou a ser escrita como uma forma de nota quadrada (), e;
• o punctum foi alterado para a forma de um ponto quadrado ().
• Em suas formas quadradas, conhecidas como Góticas, duas ou mais notas podiam ser juntadas para formar um único grupo chamado ligadura; são usadas ainda hoje em dia.
• Exemplo E: Tabela de Neumas.





• O sistema de neumas (antigo) proporcionava apenas uma "lembraça" do contorno geral da melodia mas não podia indicar a altura exata nem a duração das notas.

Linhas de pauta

• Musica enchiriadis (autor anônimo): tratado do Século IX contendo exemplos de música polifônica, particularmente de organum paralelo (prática de duplicar uma melodia litúrgica dada ao tenor a um intervalo fixo uma quarta justa ou uma quinta justa abaixo da linha original). O autor abandona os neumas e coloca as sílabas do texto nos espaços de uma pauta de seis linhas. Na margem da página, os espaços entre as linhas eram rotulados como tom (marcados com T, significando tonus) ou semitons (marcados com S, significando semitonum). A posição das palavras ou sílabas nos espaços indicava as notas relativas da melodia.
• Exemplo F: pauta de seis linhas do tratado: Musica enchiriadis.





• Século X (autor anônimo): uso de uma única linha horizontal sobre as palavras do texto latino do cantochão representando uma nota (ou altura) fixa com a posição dos neumas em relação à linha indicando seus graus de graveza ou agudeza.
• Exemplo H: pauta de uma única linha: Século X.





• Esta linha única era de cor vermelha nos antigos manuscritos, indicando a nota f abaixo do c' (o Fá abaixo do Dó central) e mais tarde era precedida pela letra latina .
• Logo em seguida uma segunda linha horizontal de cor amarela ou verde foi acrescentada acima da linha-f. Representava a nota c' uma quinta mais aguda que a da linha-f: ou .
• Observe que as notas representadas por estas duas linhas têm um semitom abaixo delas (b abaixo do c' e e abaixo do f).
• Uma terceira linha de cor preta foi colocada posteriormente entre as anteriores representando a nota a; assim cada par de linhas representava a distância de uma terça.
• Guido d'Arezzo, no Século XII, sistematizou o uso de uma quarta linha, também de cor preta, inserindo-a ora acima da linha-c' (fazendo-a representar a nota e') ora abaixo da linha-f (fazendo-a representar a nota d), dependendo da tessitura da melodia. Esta pauta de quatro linhas é ainda hoje usada na música litúrgica Católica Romana.
• Alguns manuscritos do início do Século XIII apresentam as quatro linhas de cor preta, do Século XIV em diante muitos manuscritos as apresentam de cor vermelha. O uso de quatro linhas apenas justifica-se pelo fato de que a melodia do cantochão em geral raramente excede uma oitava, podendo ser acomodada em quatro linhas e três espaços.
• Apesar destes melhoramentos, o desenvolvimento de uma notação de intervalos mensurados (dita diastemática) ainda era muito lento.

Notação Rítmica

• As linhas desenhadas sobre o texto do cantochão ajudaram a estabelecer as relações entre notas mas isto é só metade do problema dos músicos da Idade Média, o outro problema era como representar as durações dos sons, um problema que se torna mais complexo quando várias vozes cantam partes independentes.
• Há ainda hoje discordância sobre a questão da execução dos neumas, se eram estritamente medidos (ritmo mensural) ou eram livres (sem ênfases recorrentes regulares).
• No exemplo abaixo (um trecho do Asperges Me) estão comparados com a melodia dada em notação Gregoriana, uma translação rítmica "livre" (sem ênfases recorrentes regulares) como praticada pelos monges da Solesmes, uma transcrição mensural (com uma pulsação estabelecida criando padrões recorrentes), e um tipo diferente de mensuralismo cohecido como "pulso de neuma" (uma combinação das duas interpretações precedentes).
• Exemplo I: comparação de diferentes interpretações de uma mesma melodia gregoriana.





• No Século XIII havia um sistema confusamente chamado de modos rítmicos, na verdade, eram agrupamentos de valores de tempo curtos e longos numa medida em três partes repetidas várias vezes (como o texto em uma poesia).

Modo I–		longo-curto		ou
Modo II–		curto-longo		ou
Modo III–		longo-curto-curto		ou
Modo IV–		curto-curto-longo		ou
Modo V–		longo-longo-longo		ou
Modo VI–		curto-curto-curto		ou

• Durante o mesmo período as formas de neumas começaram a assumir significados rítmicos individuais:
• Em meados do Século XIII, duas formas dos neumas de uma nota tornam-se símbolos de duração de tempo:
• a virga (), em sua forma rítmica, era chamada longa (literalmente uma "nota longa");
• o punctum () era chamado brevis, ou breve (latim: curto)
• No final do Século XIII, surge outro símbolo:
• a semibreve (), derivada da breve quadrada com metade da duração da breve.
• No final do Século XIV, já há 5 símbolos em uso para ritmos:
• a maxima ou duplex longa (igual a duas longas), a longa, a breve, e semibreve, e um novo valor chamado minima ("a menor"). O símbolo era o mesmo que o da semibreve mas com uma haste adicionada.
• No Século XV, surgem valores ainda menores:
• surgem a semiminima, a fusa e a semifusa.
• A evolução das formas de notas da musica mensurabilis (música medida) pode ser seguida na representação gráfica abaixo. A tabela traça a transição dos acentos prosódicos gregos para os neumas, dos neumas para as várias formas mensurais (símbolos de indicação de tempo) que formam a base para os modos rítmicos, e dos neumas mensurais para a notação moderna aproximada.
• Exemplo J: Tabela dos formatos de notas.





• Na tabela acima cada nota sucessiva tem exatamente a metade do valor da nota precedente: a semifusa é metade do valor da fusa; a fusa metade do valor da semiminima. Isso é verdadeiro, porém, no Século XIV, somente no metro duplo (em duas partes).
• Mas o sistema de notação mensural foi em princípio divisado exclusivamente para o metro triplo (de três contagens), conhecido como o metro "perfeito". Portanto, no período anterior cada nota era um terço da duração da nota precedente na escala de valores. Neste esquema de três partes uma longa () era igual a três breves ( ).
• Um dos métodos usados para evitar confusão e distinguir os valores das notas nos dois metros era a "coloração":
• no metro duplo as notas eram escritas vazadas (ou em "branco");
• no metro triplo as notas eram escritas em vermelho e mais tarde em preto.
• No século XV cabeças de notas brancas e pretas já eram padrão.
• Alguns compositores italianos e franceses do final do Século XIV inventaram outros formatos de notas (como não aparecem em outros manuscritos, pensa-se que eram exclusivos daqueles compositores):
• Exemplo K: outros formatos de notas do final do Século XIV.





• Além das diferenças nos formatos das notas, havia também diferenças na interpretação. Podem ser identificadas, na música secular, uma "maneira francesa" e uma "maneira italiana" de interpretação (para complicar ainda mais, músicos italianos poderiam tocar à "maneira francesa" e vice-versa).
• Exemplo L: variantes na execução de sinais mensurais básicos.





• Simultaneamente desenvolveu-se um sistema de notação mensural para dar conta das pausas – ou momentos de silêncio – que eram de igual importância.
  • Na notação de neumas antiga tais pausas, que não tinham valor exato, eram indicadas por barras curtas no topo da linha ou das linhas em uso.
  • Na notação mensural, pausas eram mostradas por linhas verticais atravessando a pauta. A quantidade de pulsos envolvida era determinada pelo comprimento da linha vertical: uma pausa de um pulso cobria um espaço; a de dois pulsos ocupava dois espaços e assim por diante.
• Exemplo M: notação mensural para pausas.





• Como as linhas verticais assumiram outros encargos (por exemplo, representar barras de compassos), foi necessário mais tarde buscar outros símbolos para as pausas.

Silabas para a Escala

• O desenvolvimento de sílabas para a escala aconteceu simultaneamente com os problemas gêmeos da notação de alturas e ritmos. Embora todos tenham sido atribuídos a Guido d'Arezzo, somente o sistema de sílabas é de sua invenção.
• A origem do conceito de sílabas para a escala – ut, re, mi, fa, sol, la –está na descoberta de que as seis linhas sucessivas no hino Sáfico a São João Batista começarem em seis graus de alturas ascendentes sucessivos.
• Exemplo N: origem das sílabas para a escala no Hino a São João Batista.





• Guido nomeou cada grau da escala ascendente com a primeira sílaba encontrada abaixo dele no texto do hino. E este método silábico tornou-se o fundamento da moderna nomenclatura.
• Exemplo O: sílabas para a escala de Dó Maior.





• Há uma discrepância entre a escala de seis notas de Guido e as escalas maior-menor modernas de sete notas. A nota e a sílaba que faltam correspondem ao si, o sétimo grau na escala maior.
• A sílaba si deriva do das inicias das palavras Sancte Iohannes (latim: São João). Mas o sétimo grau da escala só foi nomeado muito tempo depois que a escala de seis notas de Guido foi estabelecida.
• Na prática moderna o si foi mudado para ti e em inglês, alemão e italiano o ut foi mudado para do. [Em português: Dó. Do é a primeira sílaba da palavra Domino (latim: senhor).]

Hexacordes

• As seis notas sucessivas de Guido eram conhecidas como hexacorde (do grego, hexa: "seis" e chordé significando "corda" ou "nota"). O hexacorde tinha um padrão fixo de intervalos: dois tons (de c para d e de d para e), um semitom (de e para f), e dois tons (de f para g e de g para a) (ver Exemplo P, números 2 e 5).
• Quando um registro diferente era necessário para acomodar vozes mais agudas ou mais graves o hexacorde era movido para cima ou para baixo para começar em outra nota.
• Quando começava no G ou no g acima ou abaixo a mesma relação entre os graus da escala eram mantidos (ver Exemplo P, números 1, 4 e 7).
• Quando o hexacorde era movido para começar no f, o quarto grau acima do f (o b) tinha que ser abaixado por em um semitom para adequar-se ao padrão de intervalos original (ver Exemplo P, números 3 e 6).
• Para distinguir entre esta forma abaixada do b e a forma natural, duas formas da letra eram empregadas. A forma abaixada era uma letra b arredondada (b rotundum: ). A forma natural era um formato quadrado do b (b quadrum: ). A prática era chamar o b arredondado de "mole" (em latim molle) e o b quadrado de "duro" (em latim durum). Assim, o hexacorde em g, (que usava o b natural ou quadrado) era um hexacorde "duro" enquanto que o que começava em f (que empregava o b arredondado) era um hexacorde "mole". O hexacorde original em c era denominado "natural" pois não continha a nota b em qualquer forma.
• Exemplo P: Tabela do Sistema Hexacordal.





• A extensão vocal usada durante o Século XI era de G até e'', por esta razão alguns hexacordes eram movidos para cima ou para baixo por uma oitava.
• O hexacorde "duro" podia ser movido para baixo para começar em G bem como para cima para começar em g';
• O hexacorde "mole" começando em f só podia ser movido para cima (se fosse movido para baixo começaria numa nota considerada muito grave para o conforto vocal);
• O hexacorde natural em c, pela mesma razão, só podia ser colocado uma oitava acima.
• Assim, o 5^o., o 6^o., e o 7^o. hexacordes duplicam os 2^o., 3^o., e 4^o. hexacordes muna tessitura mais aguda, e o 4^o. duplica o 1^o. uma oitava acima.
• Note que a primeira nota do hexacorde mais grave está marcada com o sinal: em vez de com a sílaba ut. Aquele sinal é o gamma grego, ou letra G, que era a nota mais grave do primeiro hexacorde e por isso designava o início da "gamut" de notas seguintes. Gamut significa "escala" ou "extensão" e provém da combinação de gamma com – a sílaba cantada na nota mais grave do hexacorde.

Notação em Tablatura

• A notação em tablatura foi empregada para instrumentos de teclado e para o alaúde durante o Século XVI.
• Ela faz uso de letras ou números em vez de neumas ou notas quadradas. Os números, letras, ou combinações de ambos eram colocados num diagrama semelhante a uma pauta que literalmente representava as cordas, os trastos, ou as teclas do instrumento.
• O princípio básico da tablatura para alaúde, por exemplo, era que suas seis cordas estavam representadas por seis linhas horizontais:
• Na notação espanhola, a linha inferior indicava a corda mais grave; o ritmo era indicado por notas colocadas sobre a "pauta" de seis linhas;
• na notação italiana, a linha inferior indicava a corda mais aguda; o ritmo era indicado através de hastes com colchetes colocadas logo acima dos números dos trastos.
• Os números referiam-se aos trastos no braço: 0 (zero) era a corda solta, 1 era o primeiro trasto (um semitom mais agudo), 2 o segundo trasto (dois semitons mais agudo), e assim por diante – os trastos tornavam mais simples para os executantes colocar seus dedos acuradamente.
• A notação em tablatura era insatisfatória: não tinha relação gráfica com os intervalos tocados, mostrava somente a localização dos dedos na tecla, trasto, ou corda. Além disso o sistema variava de instrumento para instrumento (as tablaturas de alaúde e órgão eram completamente diferentes) e o sistema usado por alaudistas italianos diferia daquele usado pelos franceses ou pelos espanhóis (ver Exemplo Q).
• Exemplo Q: Tablatura de alaúde.





• (A notação com pauta de cinco linhas com o formato moderno das notas só foi padronizada no Século XVII adentro e o processo de refinamento continuou por mais um século inteiro, durante o qual o sistema adicionou todos os sinais de interpretação necessários: acentos, ligaduras, e indicações de dinâmica e andamento.)

Primórdios da impressão de música

A nossa notação ortocrônica moderna (do grego: ortho significando correto e chronos significando tempo) data aproximadamente do início do Século XVI. Este foi o período em que as notas quadradas vazadas (ou "brancas") e as notas quadradas pretas (ou "coloridas") vieram a ser escritas num formato arredondado. Esta consolidação pode ser considerada uma conseqüência direta da impressão musical, estabelecida logo após a impressão de letras ter sido inventada. Em 1455 a Bíblia de Gutenberg foi publicada, e por volta de 1480 as primeiras obras musicais foram editadas, usando essencialmente os mesmos procedimentos de impressão. Inicialmente este método combinava dois processos – as linhas da pauta eram impressas primeiro em vermelho, e depois as cabeças de notas e os textos em preto. Ao seguir este plano os impressores de música estavam meramente imitando as práticas dos manuscritos monásticos, nos quais as linhas eram desenhadas em vermelho e os neumas (ou ligaduras de notas) em preto.
Um efeito colateral importante da invenção da impressão de música foi a desaceleração do processo evolucionário da notação. Assim como os formatos das letras tornaram-se padronizados pela invenção da impressão de livros, também o formato das notas musicais, sinais de claves, e acidentes tornaram-se mais estáveis quando a impressão de música suplantou a cópia à mão. Se isso foi um resultado desejável é um ponto discutível. Ninguém pode provar sem controvérsia de que o estado da notação musical nos Séculos XVI e XVII representou o desenvolvimento mais alto possível, nem alguém poderia discutir hoje que não há espaço para melhoramentos no sistema histórico.
Certamente, entretanto, a notação com pauta conforme ela evoluiu desde o advento da imprensa tem esta vantagem: ela combinou em um processo simultâneo a representação gráfica da distinção das alturas e a duração do tempo. Além disso, ele preencheu muitos requisitos básicos para um sistema visual de comunicação. Os símbolos usados são característicos seus sujeitos – são mesmo sugestivos dos sons musicais que eles representam. Além disso, estes símbolos são claros e concisos; eles são distintos ao olho (uma nota, uma pausa, e um acento não podem ser confundidos uns com os outros) e eles são relativamente fáceis de escrever e imprimir. Finalmente – e da maior importância – a quantidade total de símbolos requeridos na notação musical é comparativamente pequena, um aspecto da notação que é de ajuda inestimável para a memória.

Admitidamente comprimida, e necessariamente incompleta, a Breve História precedente foi pretendida apenas como uma crônica introdutória dos elementos da notação que se relacionam com a prática atual. Alguns outros desenvolvimentos serão relatados nos capítulos apropriados da Parte II. Para aqueles que desejarem preencher completamente o impressionante plano de fundo desta evolução histórica, entretanto, os livros listados na Bibliografia provar-se-ão fontes recompensadoras.
Mesmo partindo deste levantamento truncado, é certamente evidente que a notação musical, como qualquer outra linguagem, não aparece como invenção de um homem, nem de uma dúzia – por mais geniais que tenham sido. Ela floresceu dos esforços combinados e prolongados de centenas de músicos, todos esperando expressar por símbolos escritos a essência de suas idéias musicais. Melhoramentos naqueles símbolos sugiram porque era necessário, não porque um ou dois indivíduos decidiram arbitrariamente sobre uma mudança e impuseram a inovação aos outros. A notação resultante é, apesar de tudo, um tipo de alfabeto, moldado por um consenso geral de opinião para servir como uma técnica expressiva geral.
Para o pensamento musical – a criação – e sua realização visual – a notação – são completamente interdependentes. A notação por si só não é música; ela é somente o veículo pelo qual o compositor indica suas idéias e desejos ao executante. A notação, portanto, não é o fim mas o meio significante para o fim. Assim como na linguagem escrita pela qual o compositor comunica-se com uma audiência através de um executante, ela é também um estudo sobre relações humanas – a ser julgado pela efetividade com a qual ela comunica o que fazer, quando fazer, e como fazer.
Uma partitura musical, então, é mais como um manual de instruções – comparável talvez com o roteiro de uma peça aguardando seus atores ou como a planta de um arquiteto esperando um construtor. Uma partitura pode verdadeiramente tornar-se viva somente através do executante; sua mensagem pode ser transladada somente quando os símbolos na página impressa são adequados para a transformação inteligente em realidade musical viva. A fim de que todas as ferramentas dos notadores possam ser mais adequadas, procederemos ao levantamento dos elementos básicos da música escrita – para definir, ilustrar, discutir, e praticar os vários fatores que compreendem a notação musical.